Artikel | DEVIN TOWNSEND: Im Gespräch zu "Powernerd"

DEVIN TOWNSEND: Im Gespräch zu "Powernerd"

08.10.2024 | 16:55

"Gut, heute schreibe ich einen harten Song und der wird von einem Drachen oder so etwas handeln." So funktioniert es für Devin Townsend nicht.

Interviews mit Devin Townsend sind eine spannende Sache. Wir hatten uns vorgenommen, vornehmlich über sein neues Album "Powernerd" zu sprechen, doch es ging mehr um seine Beweggründe, Musik zu machen, seine Rolle als Künstler in der Gesellschaft und Instrumente, in denen Songs stecken.

Devin, im Promotext zur neuen Platte geht es um Nerds. Um Schwächen, welche die Gesellschaft vielleicht mit Nerds, Power-Nerds, verbindet. Was ist deine Power-Nerd-Schwäche?
Ich habe zu viele Schwächen, um sie hier aufzuzählen. Aber die Schwäche, die ich nicht für eine solche halte, ist Sensibilität. Insofern reagiere ich sehr empfindlich auf Musik, Geräusche, Gerüche und dergleichen. Das geht so weit, dass bestimmte Geräusche oder Gerüche, bestimmte Dinge dieser Art dazu führen können, dass ich nicht in dieser Situation sein möchte. Ich denke, der Vorteil dabei ist, dass ich Musik auch aus einem sehr mikroskopischen Blickwinkel betrachten kann. Manche Leute sehen meine Neigung, mir dieser Umstände wirklich bewusst zu sein, als Schwäche, für mich ist sie jedoch eine Stärke.

Das ist eine sehr interessante Antwort. Ich denke, es geht um Bandbreite, wenn ich mir anschaue, was du über die Jahre alles an Musik veröffentlicht hast. Das spiegelt also auch wider, was du in der jeweiligen Lebensphase gerade fühlst?
Darauf basiert alles. Bis zu dem Punkt, an dem ich tatsächlich das Gefühl habe, sehr wenig Kontrolle über den Stil der Musik zu haben, die ich letztendlich schreibe. Ich habe das Gefühl, dass man mit jedem Jahr, das vergeht, andere Erfahrungen macht. Offensichtlich ist das bei uns allen so. In unserem Leben gibt es unterschiedliche Menschen. Vielleicht reisen wir an andere Orte oder es passiert uns etwas Traumatisches oder Gutes. All diese Dinge wirken sich auf deine Gefühlswelt aus und auf deine Verbindung zu deiner Welt. Und in der Folge beeinflusst es auch, was aus dir herauskommt, wenn deine Kunst, wie meine, eine direkte Widerspiegelung deines Lebens sein soll. Ich hätte zum Beispiel nie erwartet, CASUALTIES OF COOL zu machen. Ich hätte nie gedacht, dass ich "The Puzzle", "Ziltoid" oder STRAPPING YOUNG LAD machen würde. Keines dieser Dinge war geplant. Sie waren einfach eine Reaktion auf mein Leben.

Glaubst du, deine Fans wären glücklich, wenn du versuchen würdest, dich auf eine Ecke deines musikalischen Ausdrucks zu beschränken? Könntest du das, wenn du es wirklich wolltest?
Drei Antworten. Erstens: Ja, sie wären glücklich. Zweitens: Nein, ich könnte das nicht. Drittens erinnert es mich an ein tolles Zitat, das ich gehört habe. Es besagt: Wenn meine Tante Eier hätte, wäre sie mein Onkel. Was ich damit meine: Ich entscheide mich nicht dafür, etwas zu tun. Wenn also Leute sagen, es wäre toll, wenn du etwas tun würdest, dann sage ich: Ja, aber ich mache es nicht. Diese ganze Aussage ergibt im Hinblick auf meinen Prozess keinen Sinn. Aber gleichzeitig mache ich es nicht, um grausam zum Publikum zu sein. Ich mache es auch nicht, um zu provozieren. Ich mache das, weil mir bei meiner Arbeit am wichtigsten ist, ob sie wahr ist, ob sie authentisch zu meinem Leben passt. Ich bin bereit, die Konsistenz meiner Stile zu opfern, um bei jedem Schritt ehrlich zu bleiben.

Ich glaube, viele Künstler sind entweder nicht ehrlich oder können das nicht und sagen, okay, das ist unser Weg.
Das ist auch völlig in Ordnung. Auf lange Sicht wird dadurch das Publikum kleiner, aber die, die da sind, sind sehr engagiert, und das schätze ich.

Ja, das habe ich auch bemerkt. Ich glaube, es war 2015, als ich dich auf Tour mit DREAM THEATER und HAKEN in Bonn gesehen habe. Da waren einige sehr eingefleischte Devin Townsend-Fans. Wir haben uns sehr engagiert über die Definition von Prog Metal unterhalten, das war eine sehr intensive, aber konstruktive Diskussion. Ich denke, das ist etwas, was in der Gesellschaft nicht oft genug vorkommt.
Jeder, zumindest viele Leute, scheinen fest davon überzeugt zu sein, dass eine abweichende Meinung einen grundlegenden Mangel an Ähnlichkeit bedeutet. Aber ich denke, dass es für eine Szene oder eine Person am gesündesten ist, Meinungsunterschiede bewusst auf eine Weise zu beschreiben, die nicht in Konflikten wurzelt, um zu wachsen. Und wenn die Leute einfach sagen: "Ich mag das und ich mag das nicht", und dann jemand sagt, dass sie Unrecht haben, weil sie das mögen und das nicht mögen, geht dabei meiner Meinung nach das Gefühl verloren, dass alles eine Frage der Perspektive ist. Der Grund, warum jemand Musik mag, bedeutet nicht, dass er richtig oder falsch liegt. Es liegt einfach daran, dass sich sein Leben so entwickelt hat, dass es für ihn angemessen ist. Es gibt also kein besser oder schlechter, es geht nur darum, wer man ist und dass man selbstbewusst genug ist, um zu sagen: "Ich weiß, wer ich bin, und ich weiß, dass mir das gefällt." Und wenn man rational darüber diskutieren kann, warum man anderer Meinung ist, dann kann man meiner Meinung nach auch etwas lernen. Aber wenn beide Parteien davon überzeugt sind, dass sie Recht haben, gibt es meiner Meinung nach nur wenig Raum für Entwicklung.

Ich habe vor einigen Wochen ein ein Interview mit Sebastian Krumbiegel, dem Sänger der deutschen Band DIE PRINZEN, gelesen. Im Interview ging es viel um Politik und er wird auf widersprüchliche Aussagen und Songs angesprochen. Seine Antwort: "Ich widerspreche mir und das permanent. Weil ich oft auch nicht weiß, was richtig ist." Ich fand: Wow, das ist so ehrlich. Das ist wirklich cool, denn wer kann schon bei allem, was er sagt oder tut, zu 100 Prozent konsequent und logisch sein? Das ist doch unmöglich, oder?
Ich finde, das ist eine tolle Aussage, vielleicht muss ich das irgendwann einmal für mich verwenden. Aber ich muss auch sagen, dass wir leider immer noch in einer Zeit leben, in der die Leute Entertainer als grundlegend anders betrachten als das Publikum. Als Folge davon werden sie an einem Standard der Konsistenz mit ihrem Denkprozess gemessen, der den Ruhm widerspiegeln würde. Was ich damit meine, ist, dass sie, weil sie berühmt sind, eindeutig irgendwo in der intellektuellen Hierarchie stehen, oder dass ihre Meinungen mehr Aufmerksamkeit verdienen oder was auch immer es ist. Aber ich denke, was wirklich zu einer gesunden Einstellung führt, ist das Bewusstsein, dass es nicht nur keinen Unterschied zwischen Entertainern und Publikum gibt, sondern dass sie in vielen Fällen auch noch verrückter sind. Wenn also in einem Interview auf zusammenhängenden und intellektuell klugen Antworten bestanden wird und diese nicht gegeben werden, sind die Leute verwirrt. Sie denken sich, das ergibt keinen Sinn.

Bevor wir den Fluss des Interviews gänzlich vom Album abwenden (und das haben wir zwischenzeitlich in einem philosophischen Exkurs über die Bedeutung des Künstlers und der Kunst in unserer Gesellschaft getan, der sich schriftlich so kaum nachvollziehen lässt, dass wir ihn an dieser Stelle aussparen - NM), lass uns über die Atmosphäre auf der Platte reden. Es ist keine Überraschung, dass die Platte anders ist als die Platte, die du vorher gemacht hast. Aber wenn du sagst – und das habe ich in deinem letzten Podcast mit Ihsan gehört –, dass deine Musik in dem Moment, in dem sie kreiert wird, immer autobiografisch ist. Wo liegt der Unterschied in deinem Leben zwischen "Lightwork" und "Powernerd"?
Nun, sie alle waren bezeichnend für eine Zeit in der Geschichte, die uns alle erschütterte. Vielleicht geht das auf die Vorstellung zurück, dass Künstler grundsätzlich anders wahrgenommen werden, dass sich zum Zeitpunkt der Pandemie jeder Künstler auf der Welt im Grunde in der gleichen Lage befand wie alle anderen. Und, weißt du, alle Künstler haben Familien und manche haben Kinder oder sind verheiratet oder haben Beziehungen und solche Dinge. Und die Pandemie hat alle auf ähnliche Weise betroffen. Also habe ich nicht mit "The Puzzle", "Snuggles" und "Lightwork" gerechnet. Ich hatte nicht erwartet, eine dieser Platten zu machen. Was sie unterschiedlich machte, war offensichtlich die Pandemie und die Dinge, die damit verbunden waren, sie zu meistern. Aber was sie gleich machte, war, dass wir bei jeder Aufnahme, die wir machen, versuchen, etwas Neues zu finden, das als Anstoß für Kreativität dient. Das können Parameter sein, es kann ein neuer Mensch im Umfeld sein. Es kann sein, wie im Fall von "Lightwork", dass man mit einem Produzenten zusammenarbeitet. Aber es gibt immer einen Ansatz, den ich zu finden versuche, der eine Art kreativen Impuls auslöst. Aber ich habe mit den Pandemie-Sachen nicht gerechnet. Deshalb war die Arbeit, die ich in den letzten vier Jahren geleistet habe, sehr verwirrend für mich, weil ich dachte, wir haben es mit ganz neuen Umständen zu tun. Und es inspiriert mich zu Dingen, die ich nicht verstehe.

Um also ehrlich mit der Arbeit umzugehen, muss man versuchen, diese Mentalität zu ergründen und herauszufinden, was man fühlt und durchmacht, und versuchen, einen Weg zu finden, es zu beschreiben. Selbst wenn das, was man zu beschreiben versucht, letztlich Chaos ist, wie es bei "The Puzzle" der Fall war, wird sich die Rolle des Künstlers je nach den Umständen immer ändern. Aber in meinem Fall besteht die Übereinstimmung zwischen beiden darin, für jeden einen Blickwinkel zu finden, der Kreativität anregt.

Wenn man das so sagt, versucht man mit jeder Platte, einen neuen Ansatz zu finden. Vor ein paar Jahren war es für einen Musiker noch ein gutes Argument, Platten aufzunehmen, das Zeug zu verkaufen und davon leben zu können. Aber heutzutage kann man seinen Lebensunterhalt eigentlich nur noch mit Live-Shows oder der Arbeit als Produzent bestreiten. Wie wirkt sich das aus, wenn man live spielt? Ich meine, man kann nicht jeden Song, den man im Studio geschrieben hat, live spielen. Du verstehst, worauf ich hinaus möchte.
Ja, ich verstehe. Ich glaube, ich versuche gerade, mit meiner Arbeit eine Balance zwischen meiner Arbeit und meinem Leben zu finden. Und ja, du hast Recht, das Tourneegeschäft ist eine der letzten Bastionen, um als Künstler Geld zu verdienen. Aber um das zu tun, was ich in der Vergangenheit getan habe, war ich 2011, glaube ich, elf Monate lang auf Tour, also endlose, endlose Tourneen. Und so viel Geld man damit verdient, so viel Bekanntheit man dadurch erlangt, was es auf persönlicher Ebene mit einem macht, mit der psychischen Gesundheit, dem Reisen, dem Schlafen in verschiedenen Zeitzonen, den Auswirkungen der Abwesenheit auf Familie, Freunde, Haustiere oder was auch immer, all diese Dinge beeinflussen letztlich das, worüber man schreibt. Aus meiner Sicht spiegeln meine Ziele als Musiker, als Künstler meine Ziele als Mensch wider, nämlich im Leben voranzukommen, herauszufinden, inwiefern meine Verhaltensmuster mir nicht länger dienlich sind, und diese dann zu lösen, sodass das Leid, das ich als Mensch ertrage, so wenig wie möglich von mir selbst verursacht wird. Wenn man die ganze Zeit auf Tour ist, verändert man die Perspektive darauf, weil die eigene Realität völlig anders wird. Man ist immer in einem Flugzeug, man ist immer mit der gleichen Gruppe von Leuten zusammen, man wird grundsätzlich als jemand wahrgenommen, der anders ist. So kommen die Leute auf einen zu und bitten um Fotos oder was auch immer, das ist alles Teil des Jobs und es ist großartig. Aber es verändert wirklich die grundsätzliche Sicht auf die Existenz und damit auch die eigene Arbeit. Ich versuche jetzt also, eine Balance zwischen diesen beiden Dingen zu finden. Und das ist keine einfache Aufgabe.

Das höre ich von vielen Musikern, die nach Hause kommen und sich wieder daran gewöhnen müssen, ein normaler Mensch zu sein, Post-Tour-Depression, wie auch immer man es nennt.
Oh ja, zu 100 %. Und es gibt viele Leute, die damit wirklich zu kämpfen haben, so suchen sie Trost in Alkohol oder Drogen oder was auch immer. Das ist eine Sache, wenn man 25 ist und jeden Tag Whiskey trinkt, aber wenn man in den Fünfzigern ist und es tut, wird es einen umbringen, oder? Es ist also ein interessanter Job und ich denke oft, dass es in Zukunft vielleicht eine Art Personalabteilung für Künstler geben wird, die sagen können: "Okay, im Fall von so etwas sind die Konsequenzen davon und hier sind einige Lösungen", oder? Anstatt einfach zu sagen: "Viel Glück!" Ja, es gibt kein Unterstützungsnetzwerk, wenn man nicht danach fragt. Nein, selbst wenn man danach fragt, ist es eine schwierige Sache.

Wenn wir über diesen Perspektivenwechsel und auch diesen Geisteszustand sprechen, wie funktioniert das für dich, wieder kreativ zu werden?
Wie funktioniert das, wenn man ein durchschnittlicher Typ ist, vielleicht ein paar Tage nach einer Tour frei hat und dann wieder in die Spur kommt und wieder kreativ ist? Ich denke, es ist ein separater Teil meiner Persönlichkeit, der die kreative Arbeit leistet. Und in den Situationen, in denen die kreative Arbeit am fruchtbarsten war, geschah dies ohne bewusste Beteiligung. Es ist, als ob sich in einem Flow-Zustand das, was man auf einer unterbewussten Ebene fühlt, immer vom eigenen Selbst offenbart. Ein Großteil der Arbeit besteht also nicht darin, meine Perspektive zu ändern, damit ich dann schreiben kann. Die Arbeit besteht darin, mich an einen Ort zu bringen, an dem ich schreiben kann, ohne zu beurteilen, was auch immer dabei herauskommt. Das passiert fast neben allem anderen im Leben. Ich beginne den Tag im Grunde damit, den Computer einzuschalten, und das Musikstück, die Idee oder das Konzept, an dem ich gerade arbeite, stelle ich so ein, dass es immer auf dem Bildschirm angezeigt wird. Aber dann habe ich im Laufe des Tages so viele andere Verpflichtungen, denen ich nachgehe. Ich gehe hin, egal ob ich den Rasen mähe, das Geschirr spüle, der Familie helfe oder, du weißt schon, menschliche Dinge tue. Aber wenn ich dann ins Studio komme und auf "Play" drücke, beurteilt mein Verstand nicht sofort, was ich höre. Es ist fast so, als wäre es frisch. Ich kann deutliche Fortschritte machen, wenn ich so viel gezielter vorgehe, als wenn ich mich hinsetze und sage: "Gut, heute schreibe ich einen harten Song und der wird von einem Drachen oder so etwas handeln." So funktioniert das einfach nicht.

Das ist eine sehr intuitive Antwort, die ich sehr interessant finde. Ich habe vor einiger Zeit ein Video gesehen, das du mit John Petrucci und Tosin Abasi auf Rick Beatos YouTube-Channel gemacht hast. Ich erinnere mich, dass er darüber sprach, wie du zu Hause Gitarre spielst, und du sprachst davon, dir Zugvideos anzuschauen, während du improvisierst.
Es ist ein konstanter Schwung. Damit geht eine gewisse Ruhe einher, es sei denn, das Video, das man gerade ssieht, enthält eine Art Jump-Scare, bei dem der Typ eine Ziege überfährt oder so etwas, was sie wahrscheinlich in den Titel aufnehmen würden. Wenn das nicht der Fall ist, musst du dir keine Sorgen über eine Veränderung des Flows machen. Es gibt diesen Zustand, in dem man geradeaus schaut, während die Dinge an einem vorbeiziehen, der einem Flow-Zustand sehr ähnlich ist. Und wieder besteht das Ziel darin, Dinge zu finden, die diesen Geisteszustand fördern. In einem gesunden Rahmen, natürlich. Ich rede nicht davon, Unmengen von Heroin zu nehmen und dann zu sehen, was man schreiben könnte.

Der Grund, warum es manchmal schwer und manchmal ruhig und manchmal melodisch und manchmal orchestral oder was auch immer ist, liegt eher daran, dass man es nicht analysiert. Man reagiert einfach auf den Tag. Es gibt Tage, die so stressig waren, dass ich keine Lust habe, stressige Musik zu schreiben. Ich möchte etwas schreiben, das mich beruhigt. Umgekehrt gibt es auch Zeiten, in denen ich wütend bin und mich nicht beruhigen lassen möchte und etwas Aggressives schreiben möchte. Sich selbst den Freiraum zu geben, das zu tun, was intuitiv ist, ist für mich das Geheimnis.

Du gibst auch vielen Gitarrenmagazinen Interviews, in denen es darum geht, welche Art von Gitarre du auf diesem oder jenen Album spielst. Beeinflusst das Instrument auch die Art von Musik, die du schreibst?
Sehr stark. Ich bin also immer auf der Suche nach einem inspirierenden Instrument. Ich habe das Glück, mit vielen Unternehmen zusammenzuarbeiten, die mir tolle und unterhaltsame Tools zur Verfügung stellen. Aber das Problem ist, dass manche davon Songs enthalten und manche nicht. Das ist wirklich merkwürdig. Das ist schwer vorherzusagen. Man kann zwei Gitarren nebeneinander aus derselben Fabrik bekommen und eine davon hat Songs in sich und die andere nicht. Es ist also auch ein bisschen Glückssache.

Ich weiß, dass du jetzt weiter zum nächsten Interview musst. Vielen Dank dir für das spannende Interview!
Ebenso, mach's gut!

Photo-Credit: Tanya Ghosh